Un pont entre les étoiles t.1

un pont entre les étoiles 11936, Shanghai. Pour suivre son père, Haru, jeune Japonaise, est contrainte de déménager en Chine, loin de son Nagasaki natal. D’abord effrayée à l’idée de vivre dans un pays étranger, où les Asiatiques ne ressemblent en rien aux Japonais, la petite fille va faire la rencontre d’un jeune Chinois. Au contact de ce dernier, elle va connaître l’excitation de découvrir l’inconnu et de s’ouvrir, avec son regard d’enfant, à une autre culture. Mais quand les racismes et nationalismes s’en mêlent… Leur amitié pourra-t-elle survivre à la tempête qui se prépare ?

Un pont entre les étoiles se déroule à l’aube de la guerre sino-japonaise qui éclata en 1937. Haru vient d’une famille aisée et avec ses parents, elle doit déménager en Chine pour suivre son père. Elle est effrayée par sa nouvelle terre d’accueil et vit un peu en vase clos, jusqu’à ce qu’elle rencontre Xing, un garçon aux yeux comme des billes d’argent.

Leur monde est diamétralement opposé et ils ne parlent pas la même langue. Sauf que pour Haru, Xing est un peu un magicien. Il l’amène à travers les ruelles de Shanghai pour lui faire voir le monde et dessine admirablement bien. À travers ses dessins, Haru découvre la Chine et apprend à connaître des paysages qu’elle n’avait jamais vu auparavant.

« … à travers ses yeux, le monde a l’air un peu plus brillant. »

Les deux enfants deviennent rapidement amis dans un monde difficile. Ils apprennent à se connaître puis à communiquer malgré la barrière de la langue. Pouvoir enfin échanger quelques mots est un tel émerveillement pour eux! Leur amitié se développe petit à petit.

À cette époque, il ne fait pas forcément bon être japonaise en Chine et Haru l’apprend un peu à ses dépends. Avec elle et Xing, nous sommes confrontés au racisme ambiant et aussi aux gangs qui gèrent les ruelles en faisant la pluie et le beau temps. Haru doit aussi faire face à sa propre famille qui vient d’un milieu bien différent de celui de Xing.

Cette série annoncée comme une histoire en quatre tomes, aborde les conflits entre nations à travers la belle amitié de deux enfants. C’est un manga historique qui prône une certaine forme de bienveillance et de paix. Quant au dessin, je trouve que la différence entre certaines scènes crayonnées et le reste du manga est un peu trop différente. Je pense entre autres à l’arrivée de Haru à Shanghai alors que le portrait de la ville est magnifique contrairement à certaines images un peu caricaturales du père de la fillette. Même si je n’étais pas fan des dessins au départ (je leur trouve un air trop enfantin) je me suis laissée porter par l’histoire et j’ai apprécié cette lecture.

Un pont entre les étoiles est un joli manga, une belle histoire d’amitié et de courage.

Un pont entre les étoiles t.1, Kyukkyupon, éditions Akata, 200 pages, 2019

Moving Forward t.1

moving forward 1Sourire pour quoi ? Sourire pour qui ? Pour masquer ses blessures… ou exprimer sa joie ? Kuko, jeune lycéenne, affiche toujours un sourire radieux ! Mais autour d’elle, personne ne semble soupçonner que derrière cette apparente bonne humeur se cache une profonde douleur. Mais l’arrivée dans son quartier d’un garçon plus perspicace que les autres pourrait bien chambouler son quotidien… Entre regards perdus et non-dits, découvrez le quotidien de jeunes adolescents qui, entre arts, amour et amitié, cherchent leur équilibre fragile dans un monde souvent trop cruel.

Moving Forward tome 1 est un manga qui aborde l’adolescence sous un thème qui aurait pu être vraiment intéressant s’il aurait été développé autrement: l’art. Kuko est une jeune fille toujours souriante, toujours gentille avec les autres. Sa bonne humeur est souvent factice et elle ne se laisse jamais aller à ses sentiments ou ses émotions. Un sourire pour cacher tout ce qui ne va pas.

Dans l’entourage de Kuko, chacun pratique une forme d’art. La photographie, la musique, la peinture, l’art sous différentes formes. Chacun des adolescents de Moving Forward utilise l’art comme exutoire à ses émotions. C’est un sujet qui aurait donc eu un très grand potentiel.

Le manga est assez particulier. J’ai dû reprendre ma lecture à plusieurs reprises parce que je perdais complètement le fil. En fait, à part mettre en scène des ados qui vivent des choses difficiles, se cherchent et ne se parlent jamais de ce qu’ils ressentent vraiment, le manga ne va à peu près nulle part. Il ne se passe rien. Les prises de bec entre l’un et l’autre sont vides et n’apportent rien à l’histoire.

L’histoire manque de crédibilité, n’a aucune ligne de conduite, flirte avec les non-dits qui finalement, ne disent absolument rien. J’avais souvent l’impression d’être perdue pendant ma lecture, de ne pas savoir où j’en étais. C’est une histoire que je serais bien en peine de décrire tant il n’y a pas d’histoire. J’aurais envie de dire qu’il y a quelque chose de lyrique ou de poétique dans tous ces non-dits, mais j’ai eu l’impression que l’auteure est carrément passée à côté de ce qu’elle aurait pu montrer de la difficulté d’être adolescent et de vivre toutes sortes d’émotions et de changements.

L’atmosphère globale du manga m’a donné une impression de grand fouillis. Je n’ai pas compris l’utilité de la plupart des scènes qui nous sont montrées. J’ai eu aussi l’impression que certaines cases partaient parfois dans une sorte de délire où je ne comprenais rien. Le langage utilisé est assez moyen. Il se veut « jeune », mais je l’ai trouvé surtout agaçant. Je crois qu’on peut parler aux ados sans tomber dans la facilité.

L’auteure intervient énormément à travers les marges de son manga, soit en racontant la triste histoire de son AVC ou en nous parlant d’une adaptation à laquelle elle a contribué. J’avoue que ça ne m’a pas intéressée plus que ça puisque ça coupe le manga en bas de page ou dans les marges. Déjà que l’histoire se suit difficilement…

Vous l’aurez compris, je n’ai pas particulièrement apprécié cette lecture. Ce que j’ai aimé, en revanche, ce sont les dessins. Très beaux, très doux, les personnages classiques des manga japonais, mais avec un petit quelque chose de plus. Visuellement ce manga est magnifique. C’est l’histoire qui ne suit pas, du moins, à mon avis.

Ce premier tome est un manga vite lu et rapidement oublié. C’est dommage parce que je crois qu’il y aurait eu un grand potentiel à puiser dans l’art pour faire un beau parallèle avec la difficulté d’exprimer qui nous sommes vraiment à l’adolescence. J’ai le second tome sous la main et je le lirai pour voir si l’histoire s’améliore un peu…

Vous avez lu ce manga? Vous avez aimé?

Moving Forward t.1, Nagamu Nanaji, éditions Akata, 197 pages, 2017

 

Éveil

eveilDans un futur où notre civilisation a disparu, au cœur des montagnes, vit un peuple profondément lié à la nature. Au sein de ce peuple, deux familles jouent un rôle important. La famille des « danseurs », chargée d’exécuter des danses sacrées afin d’obtenir la bénédiction des esprits de la nature. Étroitement liée à eux, une famille de « sculpteurs », chargée de sculpter les masques portés par les danseurs, servant à accueillir les esprits de la nature parmi les hommes durant les cérémonies.

Éveil est un manga atypique et complètement différent de ce que j’ai pu lire jusqu’à maintenant. C’est ma première incursion dans l’univers de Taiyô Matsumoto, qui semble avoir une production en marge des mangas traditionnels japonais.

Éveil est présenté en grand format, qui se rapproche beaucoup plus de la bande dessinée à laquelle nous avons l’habitude, que du manga. Le sens de lecture est aussi de gauche à droite, contrairement à la plupart des manga. L’auteur nous amène dans un monde très onirique, empreint d’une grande sensibilité. L’histoire se déroule à travers les quatre saisons, chacune abordant les célébrations communes aux différents moments de l’année: la danse de la pluie, les cérémonies de mariage et les célébrations mortuaires. On peut voir un lien avec les différentes étapes de la vie, de la jeunesse à l’âge d’or.

La recherche artistique de cet album peut être déstabilisante. Toutes les clés ne nous sont pas fournies facilement. Même la fin, je ne suis pas certaine de l’avoir saisie. J’en tire certaines conclusions, mais d’autres lecteurs pourraient sans doute y percevoir autre chose. C’est le genre d’ouvrage qui offre plusieurs niveaux de lecture et qui mérite sans doute plus d’une lecture pour en saisir toute l’essence. Le dessin est surprenant et aborde la vie, la mort et les arts (danse et sculpture de masques) comme thèmes principaux. L’esprit de la nature et sa grande force est aussi au cœur du manga. Elle est entièrement présente au quotidien pour les personnages de cette histoire. Les arts représentent aussi toute leur vie.

J’ai été sensible à la beauté de l’ouvrage, qui est en soi une petite oeuvre d’art. La beauté du livre, le trait de crayon particulier, la qualité de l’édition sous jaquette et l’histoire, à la fois onirique et sensible, offre une expérience de lecture plutôt fascinante. Toutefois, j’ai eu souvent l’impression de passer à côté de certaines subtilités de l’oeuvre, de ne pas en saisir tous les détails et les motivations de l’auteur. C’est un livre à la fois très beau visuellement et très étrange au niveau de l’histoire. Je dirais qu’il s’agit plus d’une expérience de lecture particulière dans laquelle on s’immerge, qu’une histoire que l’on suit de A à Z comme on a l’habitude de le faire avec un manga.

Je ne conseillerais pas ce manga comme première lecture pour quelqu’un qui n’a pas l’habitude d’en lire. Ce livre, qui se rapproche beaucoup plus de l’art que du manga, n’est pas représentatif du genre d’ouvrage qu’est le manga aujourd’hui. C’est plutôt un livre à part, tant par son histoire que par sa forme. Les amateurs d’art et de poésie, ainsi que les lecteurs attirés par les mondes oniriques, devraient cependant y trouver leur compte. Le livre est très beau, très artistique. Je le relirai sans doute pour tenter d’y percevoir autre chose. Il y a effectivement plusieurs niveaux de lecture à cette histoire si particulière.

À noter que ce manga est en quelque sorte la forme remaniée d’un scénario d’une pièce de théâtre jouée pour la première fois en 1998.

Éveil, Taiyô Matsumoto, éditions Kana, 88 pages, 2019

Frère de glace

frère de glace« Mon frère est un homme pris dans la glace. Il nous voit à travers la glace : il est là et il n’y est pas. Ou, plus exactement, il existe en lui une fissure où parfois la glace se dépose. Dans la vie quotidienne, quelque chose en lui fait qu’il se bloque et s’immobilise entre une action et la suivante. Par chance, il vit dans une petite ville, on le connaît dans le quartier et les gens prennent soin de lui. »
Au cœur de ce roman-oeuvre d’art se trouvent un garçon autiste et sa sœur artiste, tous deux comme gelés dans le silence et l’incompréhension. Obsédée par les explorations polaires et les étendues du Grand Nord, la jeune plasticienne les transcrit dans des dessins mêlés à des écrits, des souvenirs et des photos. En traquant les différents visages de la glace, parviendra-t-elle à conjurer son sentiment de congélation intérieure et à renouer avec les rêves, les désirs et l’amour ?

Frère de glace est un roman particulier, en marge de ce que l’on a l’habitude de lire tant sa construction est originale. C’est un livre que je qualifie d’ovni littéraire. Entre le roman, le récit, l’autobiographie, le documentaire et le projet artistique, ce roman est littéralement passionnant. Il nous amène là où l’on ne s’imaginait pas aller.

« C’est l’ambiguïté des dernières conquêtes géographiques terrestres et la fertilité de l’imaginaire les entourant qui les rendent fascinantes. »

C’est évidemment le thème de la glace et des expéditions polaires qui m’ont attirée. J’ai aussi beaucoup aimé l’image très parlante du frère autiste « prit dans la glace ». Le roman est d’ailleurs truffé d’images et de mots très visuels de ce genre. L’écriture m’a semblé très forte par moments, elle véhicule de nombreux sentiments personnels, ce qui est paradoxal alors qu’on y parle énormément de froid et de glace.

« Entre eux deux, ma mère et mon frère, il s’est produit une sorte de dépendance réciproque. Depuis la séparation avec mon père, il y a plus de vingt ans, ma mère n’a pas eu de relation sérieuse. Elle est donc une conquérante polaire et elle tire mon frère dans un traîneau. »

La narratrice a une grande passion pour les expéditions polaires. Entre les pages de son livre, on retrouve des explorateurs, des scientifiques, des historiens et des théoriciens: Sir John Franklin, Frederick Cook, Robert Edwin Peary, John Cleves Symnes, Fergus Fleming, Robert Falcon Scott, Roald Amundsen, Louise Boyd, entre autres. Le livre contient beaucoup de photos de conquêtes du froid.

« Mais la glace, comme les images, conserve la forme du corps; elle ressemble aux photographies. La photographie opère pour son objet le même processus que la glace pour l’explorateur enterré: un processus thanatologique qui nous présente abruptement un corps du passé. »

On y retrouve aussi des informations sur des sujets complémentaires: des premières photographies de flocons de neige en passant par la littérature classique, l’art et les boules à neige à collectionner. Elle nous partage également ses recherches sur les explorations polaires, accompagnées de photographies d’époque et de notes. C’est tellement passionnant! Chaque page était une petite découverte en soi. Plusieurs chapitres se terminent d’ailleurs sur des notes de recherches, petites parenthèse parfois teintées d’humour pour nous partager ses impressions.

Puis, s’entremêle doucement à la glace de l’Arctique, la vie personnelle de la narratrice, ses choix de vie, sa difficulté à concilier l’art et la vie d’adulte, sa famille silencieuse où l’on ne dit jamais rien, son frère autiste et sa difficulté à faire face aux situations sociales. Elle choisi par exemple un travail pour sa possibilité d’évasion mentale importante. Plusieurs aspects du travail d’Alicia Kopf me parlent énormément.

Frère de glace est à la fois un journal personnel couplé à un documentaire sur la nature, les expéditions, le climat. Des sujets qui fascinent l’artiste et qui fascinent le lecteur également. Le mélange des deux styles est habilement dosé dans ce roman, si bien qu’on ne sait jamais ce que nous réservera le prochain chapitre. Une tranche de vie familiale ou une journée dans le froid glacial de l’Arctique?

J’ai noté de très nombreux passages dans Frère de glace, soit parce que les mots me parlaient, soit parce que j’ai appris des choses sur les expéditions polaires et que j’avais envie de les conserver. Le livre s’ouvre d’ailleurs sur de nombreuses et belles citations, dont celle attribuée à Shackleton, que je perçois comme le symbole d’une passion un peu folle, celle des expéditions polaires:

« On cherche des hommes pour un voyage dangereux. Salaire bas. Froid extrême. Longs mois d’obscurité totale. Danger constant. On ne peut garantir le retour vivant. Honneur et reconnaissance en cas de succès. »

J’aime le style de ce texte, que je trouve à la fois fascinant et original. Le rapport à la glace et au froid se ressent partout,  à travers le choix des mots, les parallèles à la famille, les décisions de vie à prendre. L’aspect documentaire quant à lui est profondément fascinant. On ressent cette passion pour les expéditions polaires et on suit aveuglément l’auteure dans cette découverte. Les photos, cartes, petits croquis, ajoutent à l’étrangeté du roman et au grand bonheur de découvrir ce livre.

Une auteure comme je les aime, qui ose certaines choses dans la construction de son livre tout en étant passionnante. J’ai très envie de surveiller ses prochains ouvrages, en espérant pouvoir la lire à nouveau éventuellement.

Une très belle découverte!

Frère de glace, Alicia Kopf, éditions Robert Laffont, 288 pages, 2019

Au bord de la Sandá

au bord de la SandàUn homme vit et peint dans ses caravanes tout près de la Sandá, une rivière glaciaire aux confins de l’Islande. L’été s’achève, les tableaux s’entassent dans l’atelier, les visites sont rares et les nuits, de plus en plus froides et tranquilles. Avec en tête la biographie de Chagall ou les lettres de Van Gogh, l’artiste arpente la forêt, s’oubliant dans le courant du temps passé, que viennent interrompre les apparitions irréelles de la femme à l’imperméable rouge. Une seule chose lui importe : peindre la vérité des arbres qui l’entourent.

Au bord de la Sandá est un roman contemplatif, profondément ancré dans la tradition du nature writing, où tout se joue dans l’atmosphère et dans la lenteur d’une écriture que l’on déguste doucement. Ici, peu d’action, mais l’extraordinaire se cache dans la beauté d’une vie simple: un homme possède deux caravanes, dans un terrain en forêt, au bord de la rivière. Lors des beaux jours, d’autres familles vivent dans le même coin, en camping, pour profiter de l’été. Quand l’automne arrive, les gens partent et l’homme se retrouve seul avec ses pensées, la nature, ses livres et ses tableaux qu’il refuse maintenant de vendre.

« Être libre consiste, entre autres, à échapper aux invitations aux vernissages. »

Il peint, fait de longues promenades, boit du thé, garde le feu au chaud pour ne pas avoir froid.

L’histoire, quoique simple et courte, impose son rythme et demande de prendre le temps, alors même que les pages défilent presque toutes seules. On aurait tendance à croire que ce roman est simpliste. Pourtant, l’écriture presque méditative infuse une vie propre à chacun de ces moments de solitude racontés par le peintre, à chacun de ces instants puisés dans un quotidien vécu en pleine tranquillité.

La rivière rythme le roman, tout comme ces journées passées à tenter de peindre les arbres qui obsèdent tant le narrateur. La forêt, la couleur verte dominante dans la nature et les arbres, aident l’homme à calmer la tension intérieure. La nature est omniprésente et presque méditative.

« Je n’ai que les arbres en tête en ce moment et il ne me suffit pas d’être arrivé en caravane à la lisière de la forêt, il faut encore que je lise des livres sur les arbres. J’aime bien sentir le sous-bois dans les livres, car leur papier provient de forêts étrangères. »

Le passage du temps et des saisons prend une importance qui sublime le quotidien dans la caravane, à travers les occupations d’une grande simplicité qui occupent le peintre. Il y a quelque chose de réconfortant dans l’écriture de Gyrðir Elíasson, quelque chose de la belle et grande tradition de ces récits où la nature et le temps de vivre prennent toute la place. L’auteur cite d’ailleurs Thoreau et Gide en exergue de ses chapitres.

Le roman se déroule pendant deux saisons, l’été et l’automne. L’été étant une saison plus touristique, le peintre croise sur son chemin une mystérieuse femme en rouge, quelques estivants et le garde forestier. La belle saison se change en automne dans la seconde partie et le rythme du roman est tout de suite très différent. L’hiver approche et avec lui, le temps des décisions et la grande solitude de vivre au bord d’une rivière abandonnée pendant la froide saison.

Au bord de la Sandá est également un roman sur l’art, sur la création et sur la position des artistes dans la société. L’auteur initie une réflexion sur la place de l’art dans la vie quotidienne ainsi qu’un constat sur la différence qui peut séparer, isoler ou maintenir à l’écart ceux qui perçoivent le monde en ayant un côté artistique très fort et une vision plus simple des choses.

« Le fait de transférer ce qui vous passe par la tête sur une toile n’est tout simplement pas pris au sérieux au-delà d’un certain point, et c’est peut-être la réaction normale d’une société qui vise, ouvertement ou pas, à une réussite matérielle. »

L’homme du roman est confronté à une solitude et à un manque de relations humaines qui sont devenues « confortables » au fil des ans.

« Il semble que je n’arrive pas à établir ce contact avec qui que ce soit, qu’il s’agisse de ma soi-disant famille ou d’autres. À la limite, les arbres de la forêt me sont plus proches que les gens. »

Après avoir terminé la dernière page de ce roman, j’ai eu envie de le relire. Pour y rester un peu plus longtemps… J’ai noté une grande quantité de passages qui trouvaient un écho chez moi et me plaisaient particulièrement. L’auteur a une plume d’une beauté et d’une simplicité admirable, très reposante. Son roman donne envie de s’isoler, en pleine nature, pour aborder ce texte. Sa brièveté – à peine 160 pages – m’apparaît comme une des grandes forces du livre: il faut le savourer pleinement.

Un roman que je conseille assurément à ceux qui aiment la nature et aux lecteurs qui aiment prendre le temps de contempler. L’écriture de Gyrðir Elíasson devrait vous plaire! Pour ma part, j’ai très envie de découvrir les autres livres de l’auteur. Quant à Au bord de la Sandá, c’est une très belle découverte de mon côté et un grand coup de cœur! Elíasson a trouvé sa place dans ma bibliothèque auprès de mes auteurs de nature writing préférés!

Au bord de la Sandá, Gyrðir Elíasson, éditions La Peuplade, 160 pages, 2019